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2004年是我畢業於北京中央美術學院五十周年。為此於10月12日至23日返回北京，參加五十周年展覽，並在中央美術學院等三大學院講學、交流。「五四屆」畢業生已經去世卅五位，在世的同學從世界各地和大陸各省市返回北京反思人生。少小離家老大回，兒童相見不相識，笑問客從何處來，老的老、病的病，有的已經無力跨出家門，凡能相聚的都來了。吳作人的夫人、水彩老師蕭淑芳女史九十餘歲，坐著輪椅亦來看子弟們的畫展，大家的藝術精神仍在。同學們的年齡均在七十以上，我是最小的，年方六十八。藝術之路是難走的，在一百五十七位同學中，能堅持藝術創作有成就者少之又少，但是大家都在不同崗位上對社會做出貢獻。
當今各院校的主政者，是我們這一代的學生或學生的學生。後浪推前浪，他們非常優秀，以更新的藝術觀成為21世紀的中流砥柱。值得驕傲的是，中央美術學院「五三屆」和「五四屆」學生，是「五四新文化運動」後第一代引進、移植西方藝術教育的徐悲鴻之關門子弟。是受過嚴格的「學院派」素描教育，最具實力的一代。其中有部分同學，包括我在內，又是來自「杭州美術學院」，是林風眠、倪貽德等大師的子弟，故，受過兩種學術派系的教育。是名副其實的第二代有實力的藝術家。俱往矣！數風流人物看今朝，試探有生之年，能否？能否更上一層樓！
我本人帶了三幅油畫作品參加「五十周年展」，其中一幅捐贈「中國美術館」典藏。兩幅捐贈「國際藝苑」典藏。在北京中央美術學院講座，現場完成一幅165乘以165公分的巨幅油畫，捐贈母校中央美術學院美術館典藏，另一幅同樣大小的現場完成之作品，捐贈清華大學美術學院。
講座在「中央美術學院」
10月18日中央美術學院為辦好「講座」，宣布基礎課程學生停課，加上研究生及校外人士約三百餘人。講座內容的重點是：
其一，以個人的觀察，大陸後起的中、青代有太多基礎良好、技術優秀的油畫家，由於社會的快速開放，很多畫家過多地注意繪畫市場的商機，而走向照片式的寫真技巧，形成大量作品的風格類同，人物造形偏向空洞的「唯美」，缺乏個性，這種大量的「技巧高超的藝術商品畫」不是一個好現象，亦不能代表油畫的中國風格。雖然畫家要透過賣畫而「再創作」，為了「生存」與「麵包」無可非議。但賣畫單一的藝術行為，而無創新，只能是一位技巧極好的畫家而不是藝術家。「藝術家」是思想的、探索性、學術性的。必須創新民族的繪畫風格與視覺符號。
其二，自第一代油畫家至今，東方的油畫家，造形勝於色彩，乃是素描式的油畫，色彩問題沒有解決。
其三，藝術之路十分艱辛，不是人人可以解決。東方人有自己數千年的文化、人文傳統和藝術哲學，藝術表現力的創新，不能模仿西方，必須加強傳統的人文修養。風格之形成是自然的。是經驗與修養的總合，萬不可刻意製造與譁眾取寵。
在講座之後，現場創作165乘以165公分油畫一幅；在莫札特廿二號鋼琴協奏曲的音樂中完成，題為〈音樂中的即興〉。由於時間問題，沒有現場與學生對談。范迪安副院長總結，這是中央美術學院有史以來，首次的講座形式，不是電腦圖片，而是看到最真實的一面，體驗到創作的激情與令人感動、震撼。學生說：「心快跳出來了！」
與「清華大學美術學院」學生對談
問：龎老師，請您介紹一下您現在任教的學校好嗎？再請介紹一下台灣畫壇的現狀？
答：我任教於國立台灣藝術大學，這是一個綜合性的藝術大學，我在設計學院視覺傳達系，除了有一個綜合各系的「造形研究所」之外，開始系所合一，系內有研究生班。
問：您對中國美術教學的現狀有何看法？
答：目前每間學院有一萬人投考，大約六十至一百位考生錄取一名，很難考。美術學院學生，學費、學雜費一萬八千元，等於七萬多台幣，還不算吃飯與買材料，太貴了！成了貴族學校，窮人家的孩子怎麼辦？雖然很多人從附中上來，素描基礎好，但學生暴增，我看水準在下降；英文好的考進來，有藝術天才的未必能入學，兩岸問題一樣。畫素描不要畫到僵硬、死板而跳不出來。不然導致大家風格一樣。
問：請問您的早期作品是什麼風格？風格的變化是一個什麼過程呢？您繪畫至今，可以分為幾個階段呢？每個階段都側重什麼？幾個階段之間的聯繫是什麼？
答：先講學習的興趣與深化，上大學之前，十一歲至十三歲，畫了三年油畫，喜歡「印象派」和「野獸派」。十三歲至十八歲就讀杭州與北京兩所美術學院，受到嚴格的「學院派」式的訓練，跟隨寫實畫風。其實真正的學習是靠自己。我研究了維拉斯蓋茲、林布蘭特、維梅爾、列賓、謝洛夫等畫家，幾乎每天晚上看一遍他們的畫冊，研究寫實繪畫「無筆觸」和「有筆觸」的優缺點和表現力，我從來不喜歡大場面的「歷史畫」，因為它使畫家被動而服從「說明性」的思考方式。當繪畫技術昇華為藝術的境界，應該是視覺的美感、情調、深入而精緻的「說服力」，並不是表面的「光滑技術」。其中有太多素描概念和色彩變化的學問。
在學校先後學了三年「中國美術史」和「西洋美術史」，宋代的馬遠、夏圭使我覺醒──空間、意境在繪畫中的重要性。偉大的羅丹說過：空間是藝術的最高境界。一個非常「嚴重」的課題──「簡化」，它既是技巧亦是修養問題。藝術的道路就是追求從繁到簡，才能超越一般人們的視覺經驗，因此我走向了不間斷的寫生，解決「眼」和「手」的感性經驗。我天生喜歡色彩，每天都在研究「印象派」的技法，當你還在畫光影時，豐富的油畫色彩是在暗部而非亮面。倘若不理解這個道理、不作自我訓練，油畫色彩永遠不會好。印象派大師中，唯有莫內更多的注意到以上問題，所以他的顏色比別人好。直到今日我所愛好的西方畫家只有兩位，就是梵谷與高更。尤其是梵谷，他的繪畫生命只有十年，大約畫了一千張油畫，換句話說，平均三天半一張油畫，可以說張張精采。如果說莫內的色彩來自光的變化，梵谷的色彩是來自個性與靈感，所以更有力量。「野獸派」和「表現主義」更接近中國水墨的寫意。
西方繪畫走向「抽象主義」，各種風格應有盡有，才會出現另類的「達達主義」、「反藝術」，從多媒材跨越到「裝置藝術」──一種史無前例的視覺經驗和概念。誠然，似乎架上的油畫藝術「無新路可走」、「已經死了！」但是中國傳統的藝術哲學，文人畫的藝術觀，還可「救油畫」。中國傳統水墨，「松、竹、梅」題材畫了兩千年還不死，其原因在於康丁斯基所說的「藝術的精神性」。任何藝術手段本質屬性是個性的亦是精神性的，只要立足於此點，必然有新的創意。我想我的畫風之形成，是自然而然走過來的，很難說有階段性。總而言之，畫完一幅畫就開始不滿意，認為更好的畫在明天出現……。一幅作品一定有許多缺點，因為有缺點才有不可多得之優點。追求完美，改來改去，可能失掉生命感。
問：請問您認為構圖在一幅畫裡重要嗎？
答：構圖太重要了！但是觀念不能死板，古典藝術是有一定的「模式」，如「三角比例」、「黃金比例」，當然是有學問的。但是在近代繪畫中，簡言之，是求「平衡」與「不平衡」，這是兩種不同的視覺效果。最不好的就是「四平八穩」沒有目的，也有一種不良的現象，例如畫一幅瓶花，根本不看花的整體大形，先在畫布中央畫個大瓶子，結果所有的花在畫布外。
除了「造形」位子安排外，更高級的構圖境界不只是這樣。經過有意安排「物體」位子的不平衡，如傳統水墨的大量「留白」，而後靠色的強弱以及亮暗（黑、白、灰）的重組，甚至以「線條」、「色點」去「拉回」不平衡感，這樣就產生「純藝術元素」相輔相成的趣味性。
問：您畫油畫時，如何對待光影問題？
答：在表達造形時，結構是第一性的，光影是第二性的，也就是說，即使不畫光影，正確把握住結構，一樣可以表達物體的「量」和「質」，再加上「光影」就更加「立體」，有三度空間感。我目前的作品，儘量不要光影，簡化為二度空間，有時是二度半。畫「光影」，必須受限於正確的形，我是要打破形的「客觀性」，突顯「個性」、「情緒」、「趣味」的「精神性」，就是所謂要神似，不要形似。
問：龎老師，請問初學油畫者應注意哪些問題？是否學油畫應先了解「聖經」？我不太明白風格？請問什麼是風格，您怎樣看待中國的油畫界？
答：提出了三個問題。首先，世上沒有一本像「聖經」那樣的「油畫教科書」。我希望永遠沒有。其二，造形的問題在素描中解決。初學油畫，首先要放鬆，忘掉「素描」，用「感覺」練色彩，熟悉油彩的性質和調色法。倘若畫一個紅蘋果，像畫素描一樣，從淺紅到深紅，這是「紅素描」，不是色彩。其三，「什麼是風格」？這個問題比較深，凡模仿別人風格畫的畫，雖然是一種「表現符號」，但不是「風格」。所以，「風格」是肯定畫家「個性」的、「創造」的、「獨立」的表現形式，「印象派」與「野獸派」風格有很大的不同。莫內與雷諾瓦均屬「印象派」，兩人也時常畫同一景，但各自有自己的表現方法，風格亦不同。但一個畫家「風格」的形成是自然的，萬不可刻意追求。太多畫家一輩子沒有什麼獨特的風格，只有技巧。其四，我沒有資格評頭品足「中國油畫界」，大家都是其中一份子，整體而言，70年代以前，多半重「內容」、「題材」，畫風太一致，這亦是「中國特色」，大家沒有機會和可能追求純藝術元素的表現形式。「搞形式主義！」這頂帽子就已經壓得喘不過氣來。80年代後，創作自由多了，但是新形式的出現，太「模仿」西方。創造真正屬於民族文化根基的，又超越西方油畫技巧的油畫中國風格，尚待努力。
問：您平時在畫室作畫的時候都不用調合油嗎？平時自己作畫都是一次性畫法嗎？像今天這種尺寸時要多久全部完成？
答：我畫畫基本不用調合油，材料很重要，試過很多次。林布蘭特牌顏色對我最好（畫布亦是林布蘭特牌），因為顏色的油性已夠，中度稀薄，即可以流暢地畫，亦可以堆得很厚。畫得厚就不能改、不能疊，必須有十分的把握。一筆塗上畫布絕對不改。李可染畫水墨，一疊宣紙，一旦敗筆，立即棄之，從頭來過。但油畫布不能丟，只能「刮」和「改」。故此，一筆不改、一氣呵成、一揮而就，需要很高的技巧。這一畫法，比「表現主義」更進一步。顛覆了西方傳統的視覺感受。原則是必須畫得快，才能一次性完成。165乘以165公分以上的大畫，起碼三、五個小時至十六小時，但一分鐘亦不能休息，是很累的。幾十年功力方可達。無論怎樣「寫意」，藝術有藝術的嚴肅性，不是亂畫，更不是偷巧。今天這幅作品，對我而言，已經畫完了。不存在要「全部完成」的問題。即使在畫室畫，亦是一樣的。假如72.5乘以60.5公分的尺寸，畫人體，曾經有十五分鐘，亦有五十一分鐘（學生計時的），當然亦有半天時間。
問：您畫中「形」的邊緣都用黑線勾了一遍，黑線的作用是為了「壓」顏色還是有其餘意味？請您講一下深顏色在畫面中怎樣「控制」、「處理」？謝謝您！
答：我畫油畫五十餘年，近廿年逐漸自然而然地由三度空間轉向二度空間，這是太注重色彩的結果，必須這樣我才滿意。勾黑線，我是向梵谷學習演變過來的。它的作用如下：（一）在平面性的放浪色塊中，用線稍顯形的存在。（二）增強力道。（三）拉大空間。（四）強化趣味性。（五）起一種物與物之間投影的作用。所以在我的畫中，用色是「鬆」的、「無形」的，用線是「實」的，似乎是有「形」的。還有一個作用，就是「平衡構圖」。在油畫技巧上，先畫鬆鬆的「粗」線，再壓顏色，這是為了「力」和「剛」。在厚厚的色塊上，輕輕地「爬」過線，這是為了「柔」和「細」。其中的奧妙無窮。
油畫中的「深顏色」（即暗部）非常重要。一般而論，把「黑色」、「深藍色」調合其他色，用在暗部要小心。「透明深紅」調「透明翠綠」是一個好方法。會不會用是根本。看馬奈和竇加的原作，人物皮膚暗部，大多的黑色，有點髒，也許是百年之間，紅色褪掉了。所以不能直接模仿其色。總之，暗部顏色要「透明」，不能「發灰」、「發粉」。
